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* Arte de Chile. 100 años de Roberto Sebastian Matta Echaurren   Leave a comment

iframe>Mi galería de pinturas “ROBERTO MATTA”:

http://culturalibre.spaces.live.com/photos/cns!788BE90293E99C57!354/

   1911   2011

MATTA- NERUDA.j2 “P. Neruda”


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La forma que tiene el hombre de representar sus sentimientos e ideas por medio del arte, y así como la historia se divide en distintas etapas o edades cada una con características propias, el arte a través de la historia se divide en estilos que representan lo que esta viviendo una sociedad determinada en una época especifica.

El arte de construir es intrínseco al ser humano, ya sea por mejorara su calidad de vida o por demostrar su respeto o gratitud por algo superior.

En Chile el arte se comienza a manifestar durante la colonia, los primeros en desarrollar la pintura y la escultura son extranjeros que llegan al país por diversos motivos, aquí se instalan para seguir con su labor creadora pero también para transmitir sus conocimientos, dando origen a los primeros artistas nacionales, los que a su vez siguen enseñando, dando origen a diversas generaciones de artistas.

En lo referente a la pintura y la escultura el número de exponentes es abundante, estos representan por medio de sus obras las tendencias estilísticas y políticas de la época en que se vive.

Para conocer un poca mas de estos artistas nos concentraremos en el análisis de destacados exponentes del arte chileno, uno de ellos es el pintor Roberto Matta, de estilo surrealista de este siglo, otro es Nicanor Plaza, escultor del XIX. Ambos de renombre mundial, se hablara de sus vidas, características estilísticas y obras mas importantes.

ROBERTO SEBASTIÁN MATTA ECHAURREN

Nació el 11 de noviembre de 1911, a las 11 del día según él (11del 11 del 11 a las 11), en Santiago de Chile y murió en Tarquinia, Italia en el año 200

000 matta  Fue líder del denominado grupo de la generación del 40 donde predominan estudiantes de la Universidad Católica que se destacaron por el arte abstracto.

Sus estudios secundarios los realiza con los jesuitas marianos del Sagrado Corazón de Jesús y de María, continúa estudios superiores en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile.

En 1933 Emigra a Europa, en París trabaja en el taller de Le Corbusier, durante su estadía Gabriela Mistral lo invita a pasar una temporada en Lisboa. Luego de 3 años d su partida de Chile en 1936 viaja a Londres, donde tiene la oportunidad de compartir con Gropius y Moholy Nagy. No había transcurrido 1 año de su viaje a Londres cuando regresa a París para participar en “La Exposición Internacional”, trabajando en el pabellón español, allí comparte con Magritte, Picasso y Miró; por intermedio de García Lorca y de Dalí conoce a André Bretón y se incorpora al grupo surrealista.

comp1941 Era el año 1938 cuando conoce a Marcel Duchamp con quien establecerá una permanente amistad. Mientras reside en París vive con Pablo Neruda en La Roche-Guyon,

Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial en 1939, decide junto con Duchamp y Tanguy abandonar Europa y establecerse en Nueva York, allí ejerce una enorme influencia en los pintores jóvenes que darían vida al fenómeno de la pintura norteamericana de los 50.

El desarraigo buscado por Matta es un salto vital en la demolición de las raíces para descubrir el mundo. Después de 7 años de haber abandonado Chile participa en la exposición Internacional de Surrealismo, que se celebra en la Galería Breaux-Arts de París. Una fecha importante en la vida de Matta es en 1948 donde se establece nuevamente en Europa, donde es expulsado, por insurrecto, del grupo surrealista, será readmitido 11 años más tarde.

Si se pudiera hacer una linea del tiempo en la vida de Matta donde se destacaran fechas relevantes e su vida no se podrían dejar de mencionar los siguientes acontecimientos:

1950 Reside en Roma y Polonia.

1951 Expone en el Institute of Contemporary Art, de Londres.

1956 Pinta para la UNESCO el mural “Las dudas de tres mundos”, realiza una serie de retrospectivas de su obra en Nueva York, Estocolmo y París.

1968 Visita Cuba y preside el Congreso Cultural de la Habana. Expone un discurso con el título de “La guerra interior”.

1970 Realiza una exposición retrospectiva en la National Galerie de Berlín.

1970/1972 Viaja a nuestro país invitado por el Presidente Salvador Allende, trabaja en murales colectivos con la brigada “Ramona Parra”.

1971 Los trabajadores de la Peugeot organizan una retrospectiva de Matta en la villa francesa de Sochaux.

1975 Participa en la Exposición itinerante “el gran Burundún-Burunda ha muerto” para apoyar la declaración del tribunal Russell sobre los crímenes de la Junta Militar en Chile, inaugurada en el Museo de Arte Moderno de México.

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“Heart”

1982 Viaja a Nicaragua con ocasión del Congreso Interamericano sobre “Autonomía cultural de nuestra América”, donde participa junto a Julio Cortázar y García Márquez.

1983 Realiza la exposición retrospectiva “Mediterráneo verbo América” en Valencia y Barcelona en España.

1990 En 27 de Agosto recibe el Premio Nacional de Arte; en Noviembre del mismo año se realiza una retrospectiva de su obra en el Museo de Bellas Artes, actualmente es considerado el mejor pintor vanguardista del mundo aún vivo en ese año

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CARACTERÍSTICAS ESTILÍSTICAS

Roberto Matta es considerado uno de los mayores exponentes del estilo surrealista abstracto a nivel mundial. En sus obras usa el óleo como técnica y la tela como soporte.

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La primera contribución de Matta al surrealiso, y la mas importante, fue el descubrimiento de regiones del espacio desconocidas hasta entonces en el campo del arte. Matta siguió a los físicos modernos en la búsqueda de un nuevo espacio, espacio que a pesar de describirse en la tela, no debí confundido con una nueva ilusión tridimensional

“Verbo América”

Los usuarios del Metro tendremos  hoy la posibilidad de apreciar en una de las estaciones de la red el mural “Verbo América”, que el fallecido pintor Roberto Matta regaló a sus compatriotas hace algunos años.

Matta (1911-2002) ofreció la obra, de 10,60 por 4,80 metros, en 1994 al entonces ministro de Educación, Ricardo Lagos, y ahora ha quedado instalada en exposición permanente en la estación “Quinta Normal”, del Metro Santiaguino, por la que transitan diariamente más de 50.000 personas.

Durante la inauguración del nuevo emplazamiento del mural, el presidente del Metro santiaguino, Clemente Pérez, mencionó que el recinto cumple todos los requisitos que habría planteado el propio Matta, ganador del Premio Nacional de Artes (1990) y también del Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1992) y del Praemium Imperiale, en Italia (1995).

“La estación Quinta Normal es un lugar inmejorable para emplazar esta obra”, destacó Pérez.

   Matta Roberto_Mural Verbo America

“Verbo América”, creado por Matta en 1983, forma parte de sus series de grabado y descrito así por el propio artista:

“Si la palabra verbo es conjugar los jugos del tiempo, el verbo América es la historia y los juegos que allí se enjuagan entre el Mediterráneo y lo que la Europa llama América (…). El verbo América es búsqueda de acontecimientos que no se cuentan en el cuento”.

El mural, que se exhibió en diversos países europeos antes de que Matta lo donara a sus compatriotas, llegó a Chile en 1996 y se mostró por primera vez en este país durante la VI Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado y de Gobierno, celebrada ese año en este país.

Posteriormente se instaló en el frontis del Museo Nacional de Bellas Artes y desde 1997 en el Aeropuerto Internacional, donde permaneció durante cuatro años.  

La exposición a la intemperie y la contaminación ambiental dañaron la obra, por lo que el año pasado fue sometida a un proceso de restauración y a partir del pasado febrero se inició el montaje en la estación “Quinta Normal”, del Metro de Santiago.

Con un peso de más de cinco toneladas, “Verbo América” está tasado en un millón de dólares.

*Matta, puerta a otra dimensión / Parte 1

*Parte 2


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Publicado 27 enero, 2012 por Anna en ARTE, PINTURA

El arte como símbolo de la expresión de la barbarie y de la intolerancia.   Leave a comment


“GUERNICA” SÍMBOLO Y OBJETO DE LA HISTORIA

A pesar de la opinión de diversos críticos, especialistas, analistas de arte, intelectuales o artistas acerca del valor del Guernica en la obra de Pablo Picasso, lo cierto es que esta pintura sobrepasa con mucho los limites de la sencilla contemplación estética que podemos admirar en cualquier otra obra; después de todo, el “Guernica” es un cuadro que no tiene y nunca podrá tener marco, y eso es algo que muy pocas obras de arte, a lo largo de la historia, pueden conseguir. Pues el “Guernica”, desde su creación y hasta nuestros días fue parte de la historia inspirada en esta misma, aunque muy pocos españoles son conscientes de esto que en principio debería ser algo resabido por todos, pese a que constantemente es noticia, como por ejemplo y por reciente, el conflicto que hubo hace pocos años entre el gobierno vasco y Moncloa por la petición del primero de trasladar el “Guernica” al Museo Guggenheim de Bilbao con motivo de su inauguración, y con la negativa final de éste último, lo que provocó ríos de tinta y polémica, ya que según el gobierno de Euskadi, el “Guernica” es un símbolo del sufrimiento y la represión del pueblo vasco y por esto mismo el museo que debiera acoger la obra no tendría que ser sino un museo euskaldún. Naturalmente esta opinión puede o no puede tener razón en cuanto al significado de la pintura, que a mi entender no hay tales razones fundamentadas, pero manifiesta la verdadera importancia del “Guernica”, que es la de símbolo y objeto de la Historia, y más concretamente, la Historia de España y de su Democracia, de su verdadera primera y única democracia, de la paz y de la libertad que vino simbólicamente cuando finalmente el “Guernica” pisó suelo español en el año 1981, seis años después de la muerte del dictador Francisco Franco y cuatro más tarde de las primeras elecciones en esta Democracia, que sufrió su más difícil prueba cuando el 23 de Febrero de este mismo año 81 se declaró un golpe de estado que felizmente se sofocó unos meses antes de que llegase el “Guernica” a España. Hay que decir que en este país nunca hubo un periodo democrático superior a cinco años, siendo sólo dos contando el de la revolución de 1868 y el periodo de la segunda República, cuyo régimen fué hecho pedazos mediante el alzamiento fascista de Franco que provocó la guerra civil, y que inspiró la creación del “Guernica” tras los brutales bombardeos a la “ciudad santa” vasca. Picasso pintó el cuadro como encargo del gobierno de la República española para el pabellón español de la Exposición Mundial de Paris del año 1937, y aunque el cuadro era propiedad exclusiva de la nación española, Picasso dejó escrito que el mural no debía venir a España hasta que no se instaurase de nuevo la República o una democracia similar. El “Guernica” se trasladó hasta el MOMA de Nueva York, y allí se quedó hasta el año 1981, cuando la Casa Blanca entendió que aquello que dejó escrito Pablo Picasso se había cumplido, y por consiguiente, debía desprenderse, muy a su pesar, de la gran “obra estrella” del museo neoyorquino, lo que significó a su vez, y lo que es muy importante, el reconocimiento internacional por parte del “sheriff” del planeta de la consolidación democrática en España; sobre todo hay que tener en cuenta que lo hizo el mismo año en que se produjo el golpe de Estado.

   

Publicado 26 mayo, 2011 por Anna en PINTURA, Sin categoría

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*Un saludo desde el Arte “500 AÑOS DE RETRATOS FEMENINOS”   Leave a comment

  

 apaga la música del espacio, para escuchar la del video.   

500 Años de Retratos de Mujer en el Arte Occidental. 

 500 Years of Female Portraits in Western Art.

Es una bella muestra, hecha con profesionalismo y arte. a mi por lo menos .. me emociona. 

Música: Bach’s Sarabande de la Suite para Solo de Cello No. 1 in G Major, Interpretada por  Yo Yo Ma  
 
 

 
 
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Publicado 7 marzo, 2008 por Anna en PINTURA

Un picassiano ramo de flores para ti … que lees mi blog   4 comments

 

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Publicado 9 abril, 2007 por Anna en PINTURA

..prueba de tabla / fondo de página   Leave a comment

 

 

 

 

                                                                       

 

 

 

 

 

 

 

 

José García R

1982

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Publicado 8 abril, 2007 por Anna en PINTURA

LIBERTAD – JOSÉ GARCÍA RAMOS   Leave a comment


Painting is silent poetry, and poetry is painting that speaks. – 
 La pintura es la poesía silenciosa, y la poesía es la pintura que habla
  Plutarco  
 
 
LIBERTAD
Pintor: José García Ramos.
   El Pepe, el Pepillo, el Garcei, el Pintor,  el Chef, el de las manos mágicas, el que hacía pan de la nada, el brigadista pintando murales por toda Europa, en el exilio –  a su
vez él – hijo de aquellos españoles republicanos que se exiliaron en
Chile al tomar Franco el poder en España , e
l alumno del Bellas
Artes, luego su profesor, el hombre inteligente, claro, transparente,
solidario, sensible, escritor maravilloso, el irónico, él y su
capacidad de análisis, el que siempre te deja pensando .. como, qué
habría pasado con Él si la puta vida nos hubiera llevado por otros
caminos, sin todos los quiebres que hubo en ese andar – en los que no
todos tuvieron la capacidad de enfrentarlos de buena manera, darlos
vuelta a su favor y volver a pararse en dos patas y seguir la ruta
trazada algún día o tener la cualidad de improvisarla – … sus muchos
intentos fueron fallidos, pero no es el tiempo ahora de hablar o
analizar.
Ha sido (a pesar .. de ya no estar juntos) 
el hombre más importante en mi vida,
el más amado,
el más admirado, 
el más  .. de muchísimas cosas más.
  
 
 
     
LEJANA Y AUSENTE (Para Anna)
 

RIEGO TUS PLANTAS CON CARIÑO PORQUE SON TUYAS, ES LA SOLA CARICIA QUE
PUEDO HACERTE A LA DISTANCIA. CUANDO TE ALEJAS, DEJAS UNA EMBAJADA DE
OBJETOS QUE TE REPRESENTAN. SON LOS AGITADORES DE LA NOSTALGIA; SON LOS
OBJETOS CORRIENTES, PERO SOLO TU MANO LOS ANIMA . LA MÍA LOS TOCA Y
ENTONCES CONOCE LA AUSENCIA QUE ENSOMBRECE A ESTA CASA.
   ¿CONCEPCIÓN ESTÁ EN EUROPA?
 

PAREZCO EL HABITANTE DE UN BODEGÓN; CENICEROS ESPERANDO QUE LOS ORDENEN
EN DESFILE , BATAS VACÍAS QUE CUELGAN MUSTIAS, LIMONES QUE EMPALIDECEN,
ZORZALES QUE VIENEN A SABER SI LLEGASTE, FOTOS QUE MIRAN A NADIE,
LIBROS MUDOS, PÁJAROS AZULES QUE NO PARPADEAN, LOS MANTELES ASFIXIADOS
EN UN CAJÓN, LAS SILLAS SENTADAS Y LA MESA BOCA ABAJO EN CUATRO PATAS.
TODO SUMERGIDO EN UN SILENCIO QUE SOLO DEJA PASAR LA LUZ Y LA SOMBRA.

POR LA NOCHE, A LAS DOS Y CUARTO VOY HASTA EL GRAN ESPEJO DEL BAÑO PARA
VER SI APARECE TU IMAGEN, UN SEMI-CALVO HACE LOS MISMOS OJOS QUE YO Y
ME MIRA CON CARA DE PREGUNTA .
   RIEGO TUS PLANTAS CON CARIÑO PORQUE SON TUYAS Y EL SONIDO DEL AGUA TE TRAE DE NUEVO A MÍ
   
  J. el Garcei              

Publicado 4 abril, 2007 por Anna en PINTURA

TOULOUSE LAUTREC / OTRA LECCIÓN DE HIST. DEL ARTE .. a pedido   Leave a comment

 

Henri Marie Raymond Toulouse-Lautrec
Nacionalidad:
Francia
Albí (1864) – Malromé (1901)

Estilo: Neo-Impresionismo
 
 

Alrededor de la vida de Henri de Toulouse-Lautrec existen muchos tópicos, ciertos en la mayor parte de los casos. Los mitos de Lautrec, especialmente su incapacidad para mantener una relación estable con las mujeres debido a su inseguridad, son conocidos por una amplia parte del público, incluso a través del cine. Estas inseguridades y frustraciones llevarán a Henri a desarrollar en la pintura una vía de escape, una forma de evasión de la misma manera que harán Gauguin o su buen amigo Van Gogh. Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa nació el 24 de noviembre de 1864 en el Hôtel du Bosc, en el centro de Albi. Sus padres eran primos hermanos y ostentaban el título de condes de Toulouse; eran bastante ricos e influyentes en la ciudad pero carecían de poder a escala nacional. Henri era el primogénito, naciendo cuatro años más tarde su hermano Richard-Constantine, que falleció a la edad de un año. La situación familiar no era muy estable debido a la incompatibilidad de caracteres de ambos cónyuges lo que motivó su separación en el mes de agosto de 1868 quedando Henri al cuidado de una institutriz. A los ocho años, el pequeño Henri se traslada a París con su madre, iniciando sus estudios en el Lycée Fontanes. Ya en estos años inicia su relación con la pintura al elaborar dibujos y caricaturas, recibiendo sus primeras lecciones de René Princeteau, pintor de animales y amigo del conde. En 1874 se empiezan a manifestar las primeras dificultades motrices, lo que obligó su retirada del colegio para ser sometido a tratamiento médico, trasladándose a Albi. La madre del pintor recorrerá todos los especialistas para curar la dolencia del pequeño, sin encontrar una solución. La enfermedad que padecía Henri era totalmente desconocida en el siglo XIX, denominándose actualmente picnodisostosis, desorden genético provocado por la consanguinidad de los padres que afecta al desarrollo de los huesos. Ésta es la razón por la que Toulouse-Lautrec apenas creció en la adolescencia. A esta dolencia debemos añadir dos fracturas en los fémures de ambas piernas entre mayo de 1878 y agosto de 1879. Desde este momento sus piernas dejarán de crecer, alcanzando una altura de 1,52 metros. Durante aproximadamente dos años Henri estuvo casi inválido, desarrollándose en el joven un acentuado interés por el arte y la pintura, continuando con su faceta de dibujante. La lectura será su otra gran afición en estos dos largos años de convalecencia. En 1881 Toulouse-Lautrec se traslada a París donde se decide a ser pintor apoyado por su tío Charles y por el maestro Princeteau. Su madre cede, recibiendo las primeras clases en el taller de Princeteau en el invierno de 1882 donde conoce a Jean-Louis Forain. En abril es aceptado en el estudio de Léon Bonnat, retratista de moda en aquellos momentos, donde Lautrec perfeccionó su dibujo. Pero Bonnat cerró su taller en septiembre de ese movido año 1882, lo que motivó que todos sus alumnos tuvieran que buscar un nuevo maestro. El elegido es Ferdinand Cormon, en cuyo taller Henri conocerá a Émile Bernard y a Vincent van Gogh. El joven Lautrec desea continuar por los canales oficiales para obtener el máximo éxito artístico; quiere ser un pintor convencional continuando el Realismo de sus maestros, como se aprecia en las obras de esas fechas: El joven Routy o Una carretada. El joven Toulouse-Lautrec participa en la división que afectará a los impresionistas en aquellos momentos, alineándose con la pintura de Degas y su temática más urbana para alejarse de los paisajes que interpretaban Monet, Pissarro o Renoir. El arte de vanguardia también le atrae de manera puntual, probando con el Puntillismo, que no llega a convencerle. Sentirá una especial atracción hacia la pintura de Forain y sus escenas de camerinos, prostitutas, cafés o artistas. De manera definitiva, Lautrec se convertirá en el pintor de la modernidad, abandonando su estilo convencional para formar parte del neo-impresionismo. Las escenas del mundo nocturno y los retratos casi caricaturescos de los personajes de la noche serán sus temáticas favoritas. Las influencias más notorias son la pintura de Degas, Whistler, la estampa japonesa y Paolo Ucello, creando un estilo personal y fácilmente identificable. Cuando se habla de Toulouse-Lautrec se debe hacer una referencia especial a Montmartre, lugar con cierta reputación de criminalidad y bohemia que acabaría convirtiéndose en el centro de ocio. En este barrio ya vivía Lautrec desde 1884 cuando compartía vivienda con los Grenier, ubicándose allí los templos de la noche: "Moulin de la Galette", el "Mirliton", "Le Chat Noir", "Moulin Rouge", "Folies Bergère", el circo "Fernando", el "Salon de la rue des Molins"… La relación del pintor con el "Moulin Rouge" será especial al convertirse en uno de sus mejores clientes e interpretar con suma precisión la "fauna nocturna" que se daba cita en el local con todo su elenco de estrellas: La Goulue, Jane Avril, Valentin le Desossé, Cha-U-Kao o Yvette Guilbert. El local adquirió el lienzo En el circo Fernando para decorar el hall de entrada y fue Lautrec quien diseñó el cartel publicitario del cabaret, sirviendo el vestíbulo del Moulin en numerosas ocasiones como sala de exposiciones para el artista. Como artista de vanguardia, Toulouse-Lautrec no será admitido en el Salón de París al considerar inaceptables sus obras, lo que llevará al maestro a buscar todas las vías alternativas posibles para que el público conociera su obra, incluso mediante ilustraciones en los periódicos. Sus trabajos serán expuestos en solitario, con los grupos de vanguardia o con sus amigos, como en el caso de Van Gogh. Pero posiblemente sean sus carteles y litografías el vehículo que más publicidad dio a su obra, enlazando con el deseo de anunciarse existente en la ciudad en aquellos momentos, surgiendo una amplia serie de estampas de gran belleza en las que parece anticiparse al modernismo. La relación de Toulouse-Lautrec con las mujeres será una de las facetas más interesantes de su vida. La primera relación conocida es de 1883, cuando contacta con una modelo de 17 años llamada Marie Charlet. Lily Grenier se baraja como un de sus amantes hasta que conoció a Suzanne Valadon, conviviendo por un periodo de dos años hasta que Suzanne intenta suicidarse al no querer Henri tener un hijo con ella. Varias amantes se suceden hasta que elige el anonimato de las prostitutas para establecer relaciones con ellas, llegando a habitar durante una temporada en el Salon de la rue des Molins. El mundo de la prostitución será uno de los favoritos para el artista, siempre visto con cariño y respeto, mostrando tanto su aspecto más íntimo como el conocido. El lesbianismo también será tratado por Henri de la misma manera, resultando obras colosales como Las dos amigas o L´Abandon. Su posición económica desahogada le permitió viajar en numerosas ocasiones, visitando Bruselas, Londres, Madrid o diversos puntos de la geografía francesa. A partir de 1893 se relaciona con los hermanos Natanson y el círculo de La Revue Blanche, contactando con la vanguardia literaria y trabajando como decorador para el mundo del teatro, retratando a los miembros más interesantes de este círculo artístico. La vida noctámbula y de crápula que llevaba Henri desde los 25 años motivaría su alcoholismo, sugiriéndose incluso que podría haber contraído la sífilis. En 1897 tiene lugar el primer ataque de "delirium tremens" que le llevará a disparar con un revólver a imaginarias arañas. Al año siguiente alquila una vivienda en el mismo edificio de su madre, preocupada por la salud de su hijo. En 1898 sufrirá un ataque de manía persecutoria al creerse perseguido por la policía, refugiándose en casa de un amigo. Cada vez bebe más y pinta menos. La crisis más grave se produce en 1899 al sucederse las manías, depresiones y neurosis, acentuadas por el traslado de su madre a Albi. Henri decide suicidarse con metileno en el prostíbulo de la rue des Molins siendo ingresado en un sanatorio durante una temporada. Su estado de salud será noticia y motiva la subida en el precio de sus obras. La familia de Lautrec duda de su recuperación y critica sus excesivos gastos por lo que se sugiere que alguien se haga cargo de él. El objetivo será alejarle del alcohol, admitiendo la presencia de un tutor al que burlará continuamente, modificando incluso su bastón de paseo al introducir un vaso y una botella de aguardiente que contravenía la prohibición. En octubre de 1900 se traslada a Burdeos, donde sufre un nuevo ataque en el mes de marzo del año siguiente, una hemorragia cerebral que le afecta las dos piernas. En abril decide ir a París para organizar sus papeles. El 15 de agosto, en Arcachon, sufre un derrame cerebral que le deja medio cuerpo paralizado. Su madre decide llevarle al castillo de Malromé, cerca de Burdeos, donde ella habita, falleciendo Toulouse-Lautrec en ese lugar el 9 de septiembre de 1901 a las dos y cuarto de la madrugada.

Publicado 19 febrero, 2007 por Anna en PINTURA